Cari lettori, con l’anno nuovo Art Rehab ha deciso di rifarsi il look. Ci sarà sempre e ancora spazio per la buona arte emergente, con le interviste, le mostre, le segnalazioni a cui siete abituati. Avremo logo e colori nuovi ma i contenuti resteranno gli stessi, anche se cercheremo sempre, naturalmente, di migliorarci. Vi invitiamo perciò a farci visita nella nostra nuova casa, all’indirizzo www.artrehab.net, dove vi aspetteranno anche interessanti e fresche novità.

Il Vis-à-vis di oggi vede come protagonista uno dei membri del collettivo Massagrigia. Lui è Luca Ragazzi, romano innamorato della sua città ma anche instancabile viaggiatore (anche grazie ad un documentario, Improvvisamente l’inverno scorso, di cui è regista e che lo porta in giro per il mondo). Lo si comprende osservando le sue fotografie, naturalmente in bianco e nero, scattate posando lo sguardo su dettagli alla portata degli occhi di tutti ma che il più delle volte passano inosservati. L’attenzione di Luca, invece, ne coglie le geometrie, ne mette a nudo la forza e la sostanza, ne racconta la storia in modo sottile e silenzioso. Alla fotografia architettonica, bilanciata nella sua astrazione, si affiancano scatti di stampo reportagistico ed altri più intimi, dal sapore domestico.

Chi è Luca Ragazzi? Dove e quando è nato?
Non mi è facile dire chi sono; ma che sono nato a Roma nel lontano ’71, quello lo so.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinato alla fotografia?
Mi sono avvicinato alla fotografia da autodidatta. Credo intorno ai 15 anni rubando la macchina fotografica di mia sorella. solo verso i 17 ho cominciato a fotografare “coscientemente” in B/N.

Quali sono le tue fonti di ispirazione? Chi i tuoi maestri?
La mia fonte primaria è sempre e comunque il cinema, magari quello in B/N di Fellini con la fotografia di Gianni Di Venanzo o quella di Sven Nykvist nei film di Bergman. Per me l’immagine è sempre mutuata dal grande schermo e quindi orizzontale. Le foto in verticale mi sembrano sempre innaturali… Tra i fotografi italiani amo molto Ghirri e Basilico.

Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue fotografie?
La stessa sensazione di stupore e armonia che provo io di fronte alle foto altrui. Per aver visto cose che magari erano lì davanti ai nostri occhi ma che immortalate assumono un senso diverso e rivelano di sé cose insapettate.

Descrivi il tuo lavoro e le tecniche che usi. Leggo inoltre sul tuo profilo che hai “ingaggiato una dura battaglia contro la tecnologia digitale”. Come mai?
La tecnica, se mai ne uso una, è quella di essere molto severo e fare mio l’insegnamento di Cartier-Bresson quando diceva di scattare una foto pensando che fosse l’unica che hai a disposizione. In questo modo sviluppi la capacità di vedere una cosa anticipatamente e sapere già se vale la pena scattare o meno. Il digitale lo frequento con soddisfazione solo per il colore ma il b/n per me sarà sempre quello analogico.

Da cosa nascono le tue fotografie? C’è un interesse per la “serie” o ragioni in termini di singole immagini?
Tranne quando abitavo a New York e ho fatto una serie sui quartieri della città e un’altra volta sull’Israele, per il resto penso sempre alla foto singolarmente. E’ vero che si ritrovano dei punti in comune, un filo rosso, nei miei lavori, ma quello dipende credo dal fatto che il mio occhio continua ad essere colpito da certe forme e da certe simmetrie.

Oltre che fotografo sei anche giornalista, critico cinematografico e regista. Quanto e in che modo tutte queste tue personalità influenzano la tua fotografia?
Come dicevo già prima, l’ispirazione primaria è sempre e comunque il cinema. Mi piace passare con disinvoltura da un media a un altro, cercando di sfruttare al meglio le possibilità che questo ti dà. Non credo ci sia niente di sbagliato nel non volersi definire o cristallizzare in un ruolo.

Nelle tue fotografie si colgono interessi diversi: dall’architettura alle immagini documentaristiche passando per scatti più intimi e delicati. Come si conciliano questi vari sguardi?
Le architetture mi affascinano per il fatto che spesso nascondono un pensiero dietro, un progetto dell’uomo per inserirsi al meglio nel contesto. Non mi piace il reportage con le persone perché scattando una foto a loro insaputa mi sembrerebbe di fare loro una violenza. Molto meglio con il ritratto quando il soggetto è consenziente.

La maggior parte delle tue fotografie è stata scattata all’estero. Caso o scelta?
Abito a Roma, una delle città più belle e fotografate del mondo. Non riesco a fotografarla perché mi sembrerebbe di fare qualcosa che hanno fatto in molti e meglio prima di me. Lo stesso discorso vale per città come Parigi o New York, dove il rischio del cliché è sempre in agguato (in questo senso la mia serie su New York non è certo innovativa…). Poi ci sono dei posti che sembrano ancora vergini, dove l’occhio umano si è poggiato fuggevolmente e questi sono i più belli da fotografare…

Ritieni che sia dato sufficiente spazio agli artisti emergenti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dell’arte ufficiale?
Non mi ritengo un artista e non mi sono mai prodigato molto per emergere quindi non posso lamentarmi. Sicuro però è che l’talia è un pase governato a tutti i livelli da vecchi e questo ha sviluppato un’atteggiamento reazionario che non facilita le nuove generazioni ad imporsi ne’ ad essere prese sul serio.

Quali sono i tuoi prossimi impegni e progetti?
Al momento continuo a viaggiare per il mondo con un documentario che ho fatto e che viene ospitato a molti festival. Quando faccio la valigia la prima cosa che preparo è la mia Pentax K1000 pensando già alle foto che farò.

(In apertura: Luca Ragazzi ritratto da Gustav Hofer).

Ho scoperto il nome di Luciano Rignanese tra i membri del collettivo Massagrigia. Pugliese, nato nel 1979 ma attivo a Roma da 12 anni, Luciano si è diplomato all’Accademia di Belle Arti di Roma ed è costumista, scenografo e fotografo di scena.

Quella che vi segnalo oggi però è una personale di pittura, sua prima passione. “La decisione dell’esistenza”, questo il titolo, aprirà i battenti il prossimo giovedì 28 gennaio alle ore 18 presso la Galleria Vittoria in via Margutta 103 a Roma (con la curatela di Tiziana Todi e Robertomaria Siena) e sarà visitabile fino al 6 febbraio.

In mostra saranno presentati 6 olii su tela di 1m x 1m e 20 fusaggini 24 x 30 cm, aventi per tema la natura morta come sinonimo di attenzione al quotidiano, alla vita delle piccole cose di tutti i giorni. La pittura tonale, con i suoi passaggi cromatici graduali, ben si presta allo scopo, riallacciandosi alla tradizione italiana (Giorgio Morandi, per fare un esempio) e traducendo in pittura la semplicità di forme e oggetti consueti.

La galleria è aperta dalle ore 15 alle ore 19, dal lunedì al venerdì; domenica e fuori orario su appuntamento.

A Roma, in via della Reginella 26, esiste uno spazio dall’identità ben precisa: una white box lunga 6 metri, alta 3 e larga 2 interamente visibile dalla strada per tutto il giorno e che nel nome, Opera Unica, racchiude il significato della sua esistenza ovvero esporre di volta in volta l’opera unica di un singolo artista. Uno schermo riporta titolo dell’opera, nome dell’autore e suoi contatti per una durata variabile tra i 3 e i 7 giorni.

Il concept di Opera Unica ricorda un po’ quello di Edicola Notte, spazio creato nel cuore di Trastevere dall’artista cino-malese H.H.Lim, da molti anni a Roma. Anche lì un ambiente minimale, lungo 7 metri e largo 1, che di volta in volta un artista è chiamato ad animare con il proprio libero intervento. Un unico ingresso dà sulla strada, mentre l’opera di notte viene illuminata perchè sia visibile ai passanti.

Opera Unica, in collaborazione con la Takeway Gallery, ha organizzato una manifestazione dal titolo “24×24″ che si terrà dalle 11 del mattino del 22 gennaio fino a domenica 14 febbraio: 24 giorni affidati ad altrettanti giovani artisti emergenti, italiani e internazionali ma tutti attivi a Roma.

Ciascuno di loro occuperà lo spazio della galleria per 24 ore, realizzando la sua opera (pittura, scultura, installazione o performance) e lasciandola visibile prima di cedere il posto, alle 11 del giorno dopo, all’artista successivo. Il tutto senza vincoli tematici e sotto lo sguardo dei passanti, che assisteranno alla creazione passeggiando lungo la strada.

Un occasione per promuovere l’incontro e il confronto, favorendo la trasversalità dei linguaggi artistici. Momento conclusivo della manifestazione sarà la collettiva delle 24 opere realizzare durante “24×24″: l’appuntamento è per il 26 febbraio, presso lo Studioabate in via dei Sabelli 16, quartiere San Lorenzo a Roma.

Gli artisti partecipanti sono: Irma Alonzo, Paolo Assenza, Andrea Biavati, Giorgio Ceccotti, Valerio De Filippis, Gregory Di Carlo, Claudio Di Carlo, Leonardo D’Amico, Giorgia Fincato, Frederic Guerin, Anastasia Kurakina, Federico Mazza, Maurizio Monaco, Luigi Mulas Debois, Giancarlo Neri, Pasquale Nero Galante, Davide Orlandi Dormino, Roberto Precioso, Alessandro Procaccioli, Agnese Ricchi, Massimo Rizzuto, Barbara Salvucci, Sergio Tumminello, Antonello Viola.

Saranno presenti con i loro lavori: Laura Angeloni, Claudia Ferri, Stefano Schirato, Valeria Serino e Barbara Tucci di Pescara, Mark Benini di Berlino, Sabrina Caramanico di Guardiagrele (Ch), Alberto Di Cesare di Roma, Liana Fides Frappa di Codroipo (Ud), Simona Russo di Torino, Marco Taddei di Vasto (Ch) e Chiara Zampieri di Padova.

Lo studio Anniluce è in via dei Marrucini 34 a Pescara e la mostra è aperta al pubblico tutti i giorni (esclusi i festivi) dalle 18.00 alle 20.00. Per informazioni potete chiamare il numero 3477545254. “Per vedere quadratini tutto il giorno” è anche su Facebook.

Molti gli artisti che hanno aderito alle passate edizioni tra cui Sten, Lex, Lucamaleonte, Matteo Bastianelli, Kino, Omino 71, Pamela Pintus, Giovanna Vicari, Francesco Mirizzi,  Stefano Azzena e molti altri.

Il tema di quest’anno è l’Inter_Azione intesa come ” trasformazione necessaria e spontanea dello spazio urbano messa in atto, sia da singoli abitanti sia da intere comunità, per far fronte a nuovi bisogni e desideri non corrisposti; come lotta tra lo spazio urbano, spesso coercitivo capace di condizionare comportamenti, stili di vita e stati d’animo quotidiani, e la comunità che è chiamata a viverlo; come percorso dalla realtà all’utopia; uno stimolo per immaginare sviluppi futuri di dinamiche sociali e spaziali per la creazione di nuovi mondi“.

Per il programma completo cliccate qui.

Chi è Franco Monari? Dove e quando è nato?
Non chiedetelo a me; so solo che è nato a Carpi, vicino Modena, nel 1981.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinato alla fotografia?
Sono giunto alla fotografia in maniera del tutto involontaria. Il mio percorso artistico comincia infatti con la pittura, un periodo della mia vita durato quasi dieci anni, in cui mi servivo anche di macchine fotografiche usa&getta per fissare i paesaggi che poi avrei ridipinto su tela. Con il passare degli anni l’amore per la pittura si è spento e mi sono ritrovato senza accorgermene a girare sempre con una reflex a portata di mano.

Quali sono le tue fonti di ispirazione? E se guardi alla storia della fotografia, chi sono i tuoi maestri?
Le fonti sono molteplici e di natura diversa. In linea generale subisco molto l’influenza degli anni ’80, del suo “mood”, della sua musica New Wave e di alcuni telefilm che guardavo da bambino, specialmente L’ispettore Derrick per via dei colori e del clima “casareccio”.
Ovviamente guardo molto anche alla storia della fotografia e non posso che soffermarmi con ammirazione sugli scatti di Ghirri, di Basilico, di Barbieri, di Thomas Ruff, di Robert Polidori, dei coniugi Becher, di William Eggleston e tanti tanti altri ancora.

Le tue fotografie sono dettate da particolari stati d’animo? Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue opere?
In effetti penso proprio di soffermarmi su certi soggetti e non su altri poprio in base ad un mio determinato umore. Fino all’anno scorso non mi era mai passato per la mente di fotografare qualcos’altro che non sia un interno in stato di abbandono. Oggi, invece, sento di più l’esigenza di aprirmi, di stare en plein air, di conoscere il territorio che mi circonda; ecco il perchè del ciclo Ognigiorno.
Quali sensazioni voglio comunicare? In realtà mentre scatto una fotografia penso a tutto forchè a come o da chi questa verrà fruita. L’esecuzione deve inanzitutto soddisfare un mio piacere visto che non fotografo per ottenere un manufatto stampato ad hoc; per me la fotografia è prima di tutto un gesto, un’azione, un modo per relazionarsi con il mondo. La stampa finale è solo una testimonianza di questa operazione.

Descrivimi il modo in cui lavori, le varie fasi attraverso cui passa la realizzazione di uno scatto.
Nel caso delle fotografie d’interni, mi trovo a dover fotografare luoghi importanti per la storia ed il vissuto di cui sono ancora ricchi; luoghi che non conosco e che visito per la prima volta. Mi riservo perciò molto tempo per studiare bene l’architettura del luogo, le sue linee, la sua luce. E’ una fase in cui esploro l’edificio ancora “disarmato”: solamente quando ho le idee chiare inizio a fotografare. Per quel che riguarda il paesaggio, la scelta del soggetto è senza dubbio più istintiva e per questo il più delle volte oscura anche a me. Non cerco il soggetto, ma lascio che questo si presenti a me in maniera casuale durante un viaggio o un breve spostamento. E’ raro che io esca di casa con la sola volontà di fotografare il paesaggio.

La tua produzione è costruita secondo la struttura di progetti fotografici. Quanto tempo impieghi per ideare e realizzare una delle tue serie?
Mi piace sviluppare progetti, non mi fermo ad un singolo scatto. Penso che i progetti diano ancor più valore ed importanza alle fotografie; inoltre il progetto è una sorta di promessa che l’autore fa verso la fotografia e verso se stesso: nell’arte la disciplina e la costanza sono di vitale importanza.
Non ho fretta nella realizzazione dei miei lavori e così un progetto può restare “aperto” anche per quatto anni, come per Memorabilia che ancora non reputo concluso, ma in pausa.

Quali macchine fotografiche usi di solito? Si tratta di scelte funzionali al tipo di immagini che vuoi ottenere?
Ho diverse macchine, sia analogiche che digitali, reflex, polaroid e le cosidette “toys camera”, ma uso quasi sempre la stessa Nikon per tutte le fotografie.
Dedico molta più attenzione alla scelta dell’ottica che a quella del corpo macchina e per il genere di fotografie che scatto uso principalmente grandangoli spinti, un “cinquantino” e un obiettivo decentrabile.

Memorabilia e Ognigiorno sono due serie diverse nei contenuti ma simili a livello formale. In entrambe si coglie il senso dell’assenza e della perdita. Non ci sono figure umane e anche il livello cromatico è mantenuto su tinte basse e fredde. Raccontami le ragioni di queste scelte stilistiche.
Non mi piace e non m’interessa fotografare l’uomo in maniera diretta e soprattutto mescolato nel paesaggio o nella foto d’architettura. A me sta a cuore riportare le opere architettoniche dell’uomo, ma anche la conoscenza e la comprensione del paesaggio; inserire una figura umana all’interno di quelli che sono già di per se dei soggetti principali crea solamente confusione. In ogni caso l’uomo è sempre presente in ogni mia fotografia: una macchina, un palo della luce, un prato ben falciato sono tutte tracce dell’uomo.

La serie Memorabilia ha per soggetti due luoghi che mi affascinano da sempre: fabbriche dismesse ed ospedali psichiatrici abbandonati. C’è bisogno di particolari permessi per potervi accedere?
L’educazione ed il rispetto delle leggi impongono certamente un permesso dei proprietari, ma io non li chiedo mai, se non nei casi in cui l’edificio sia veramente ben chiuso e custodito.
Di norma scavalco i cancelli o entro da finestre rotte.

Ognigiorno, il tuo progetto in progress, ha per ora quattro sezioni. Ci anticipi qualcosa sul futuro di questa serie? O su altri lavori che hai in mente?
Ognigiorno è un progetto iniziato timidamente nel 2008, e tutt’ora in via di sviluppo, alternando l’uso di una polaroid ad una reflex. Le idee di base sono a me già chiare e ben consolidate, dunque un’indagine fotografica sul paesaggio a me più familiare, ma i titoli delle serie che fanno capo alla radice madre Ognigiorno, o la collocazione degli scatti, sono in costante cambiamento. Infatti, nel breve tempo intercorso tra la nostra conoscenza e la pubblicazione di questa intervista, ho deciso di cambiare alcuni titoli e smembrare una serie in due categorie ben distinte.
In futuro vorrei dedicare molto più tempo e attenzione per fotografare la Polonia, un paese in cui da bambino ho trascorso molte estati ed altrettanti natali. Tutt’ora continuo a visitarla annualmente per tenere viva questa mia origine, ma non sono mai riuscito ad instaurare una giusta sintonia fotografica con il luogo.

E ora una domanda un po’ meno “personale”. Pensi che sia dato sufficiente spazio agli artisti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dell’arte ufficiale?
Per gli artisti quotati lo spazio non manca mai, per quelli emergenti le cose sono diverse. Bisogna però dire che negli ultimi anni ho notato un interesse decisamente maggiore verso i giovani, ma il problema non è tanto lo spazio per gli artisti, ma lo spazio in generale destinato alla fotografia. Purtroppo in Italia non si è ancora consolidata una cultura della fotografia e questa continua a essere vista una tacca sotto alla pittura. Le acquisizioni fotografiche sono sporadiche; molte gallerie trattano solo pittura o direttamente il video; le poche riviste specializzate sono pietose; molti concorsi di un certo livello hanno sì la sezione fotografica, ma poi ti ritrovi a essere giudicato da architetti famosi. Insomma: credo che ci sia ancora molto da fare, ma qualcosa si sta già muovendo nella giusta direzione.

“Le facciate di case e palazzi sono piene di ferite aperte. I fori delle mitragliatrici e le chiazze bianche del calcestruzzo usato per coprire i vuoti creati dalle bombe, sembrano costellazioni immaginarie disegnate su tutto il territorio della Bosnia“, queste le prime battute di presentazione dell’ eccezionale lavoro di reportage eseguito dal giovane fotografo Matteo Bastianelli tra Bosnia e Repubblica Srpska.

Classe 1985, da sempre il suo lavoro è indirizzato su tematiche forti, rivolte al sociale e alla sensibilizzazione della collettività, raggiungendo il suo apice per intensità e bellezza con queste ultime opere, parte delle quali verranno presentato in anteprima dal 16 Gennaio al 3 Febbraio presso gli spazi romani  di Officine Fotografiche nella mostra  The Bosnian Identity ed avrà la sua naturale conclusione nell’esposizione di Sarajevo.

Opere discrete, toccanti, delicate quasi come carezze, amorevolmente date per alleviare quel dolore insostenibile ed incurabile di un’intero popolo lacerato nel profondo.

L’esposizione curata da Officine Fotografiche, in collaborazione con Marta Dahò, è stata prodotta con il contributo di  Interno Grigio e Fondazione Internazionale Onlus Il giardino delle rose blu.

Per tutte le informazione visitate il sito dell’associazione cliccando qui.

Quella che vi segnalo è una mostra interessante in particolare per chi ama la fotografia analogica, meglio ancora se in bianco e nero. Il Brancaleone di Roma ospiterà, da sabato 9 gennaio (inaugurazione alle ore 21.30) e fino al 22, una collettiva dei fotografi di Massagrigia, sito/galleria fotografica online dal 2005 la cui peculiarità è quella di raccogliere  e mostrare soltanto fotografie in bianco e nero realizzate da un folto gruppo di artisti.

Le foto sono stampate su carta baritata ai sali d’argento e montate su telai in legno o con montaggi ad umido. L’aspetto artigianale si riscontra, dunque, in tutti i vari passaggi della creazione fotografica: Massagrigia è dotato infatti di una camera oscura da cui provengono tutte le fotografie pubblicate nel sito.

L’intento del collettivo è quello di creare un terreno fertile di dialogo tra fotografi e appassionati, oltre a promuovere eventi e perseguire l’obiettivo di conservare e proteggere la tradizione della fotografia analogica, in cui è insita tutta la poesia e la forza del gesto manuale, non solo quello legato allo scatto ma anche e soprattutto quello della stampa.

Si legge, infatti, nel profilo di Massagrigia: “L’interazione manuale dello stampatore con il supporto cartaceo utilizzato ed il trattamento chimico al quale viene sottoposto, determinano la possibilità di modulare le tonalità della stampa finale, rendendo ogni fotografia prodotta con questo sistema un’opera unica e irripetibile ma allo stesso tempo indissolubilmente legata alla proiezione del gesto originale.” Buona visione.

Chi è Renato D’Agostin? Dove e quando è nato?
Renato D’Agostin, fotografo, nato 26 anni fa, in un piccolo paese in provincia di Venezia, San Donà di Piave.

Qual è stata la tua formazione e come ti sei avvicinato alla fotografia?
Durante l’ultimo anno di liceo, quasi per caso ho iniziato ad incuriosirmi alle scene di strada, a come gli elementi interagissero tra di loro, formando immagini, che in bianco e nero davano soddifazione  al mio occhio. Mia madre un giorno tornò a casa con una grande fotografia di un elefante vinta ad una lotteria, facendo crescere la mia curiosità nell’immortalare la realtà.

Osservando le tue foto vengono in mente la straight e la street photography. Quali sono le tue fonti di ispirazione? E i tuoi maestri?
La mia fonte d’ispirazione è la realtà, che utilizzo come teatro nel quale mettere in scena, estrapolando immagini dalle situazioni esistenti, il mio mondo d’immaginazione, pescando dalle mie sensazioni e percezioni.
I miei maestri sono i fotografi a cui guardo con ammirazione, Giacomelli, Gibson (per il quale ho avuto l’onore di lavorare come assistente), Metzker, Moriyama, ecc. I fotografi che hanno lasciato un segno per il loro stile unico, visione della loro realtà.

Quali sensazioni vuoi comunicare attraverso le tue opere? E da quali stati d’animo nascono?
Non cerco con le mie fotografie di voler comunicare sensazioni universali. Sono rappresentazioni del mio stato d’animo, rappresentazioni della mia immaginazione e percezione della realtà, proiezione del mio mondo, nella sua intima relazione con l’esterno, sulle due dimensioni. Vedo le mie fotografie come immagini di spazio, solitudine, architettura, intimità, forma, introspezione, silenzio.

Descrivimi il modo in cui lavori, ciò che ti spinge a realizzare una determinata foto e le varie fasi attraverso cui passa la creazione di uno scatto.
Cammino, guardo, ascolto, attendo, scatto, scatto ancora, attendo ancora, sviluppo, seleziono, stampo, sorrido.

Quale o quali macchine fotografiche usi e perchè?
Uso Leica perchè la ritengo il mezzo perfetto per ciò di cui ho bisogno. Ha il silezio e l’essenzialità necessaria per farmi sentire a mio agio impugnandola.

Nel tuo portfolio c’è una netta prevalenza del bianco e nero. Fa eccezione solamente la pt.2 di Metropolis, a colori. Puoi spiegarmi queste scelte stilistiche?
Il progetto di Metropolis pt2 è l’unico a colori, e difficilmente credo di avvicinarmi al colore ancora. Il bianco e nero, nella sua essenzialità, aiuta il grafismo della mia fotografia. Essendo più lontano dalla realtà rispetto al colore, enfatizza il tono surreale che cerco nei miei scatti. Il bianco e nero inoltre mi permette di avere il controllo totale nella fase di sviluppo e stampa, parte fondamentale del mio approccio alla fotografia.

Il tuo lavoro è strutturato in serie fotografiche. Quanto tempo impieghi per ideare e realizzare ciascuna di esse?
E’ difficile considerare delle tempistiche per le mie serie. Per esempio Tokyo Untitled è un progetto che ho iniziato nel 2007 e che ho terminato nel 2009, ma contemporaneamente stavo lavorando ad altri progetti, quidni il tempo effettivo di scatto è decisamente inferiore. Ogni progetto segue una pubblicazione di un libro e una mostra itinerante, cose che seguo dall’inizio alla fine personalmente, e questo non mi permette di scattare esattamente con la frequenza che vorrei.

Hai viaggiato molto. Da Venezia ti sei spostato tra le capitali dell’Europa Occidentale, poi è stata la volta dell’America. Dove ti sei sentito davvero a casa, artisticamente parlando? Quale o quali città ti hanno stimolato maggiormente?
Parigi è stato il mio primo amore. Anche solo il sapere che ogni mattonella dove metti piede è stata la base di qualche gloriosa fotografia dei maestri del passato, ha un sapore di storia e vissuto che è difficile trovare altrove. Tokyo è stata però fino ad ora la città che mi ha fatto sentire più a mio agio fotograficamente, perchè con il suo minimalismo, le sue architetture, e quella sorta di freddezza d’interazione e comprensione che la caratterizza, forma un perfetto sfondo visivo ed emotivo per i miei scatti.

Dove vivi ora? Pensi che sia importante, per un artista italiano, spostarsi all’estero, anche se temporaneamente?
Ora vivo a New York. Credo che sia importante per un artista italiano e non, spostarsi all’estero, toccare con mano altre esperienze, e vedere la propria reazione al non conosciuto. Per come sono io, questo è importante, e mi fa lavorare maggiormente su me stesso, quasi di riflesso dall’esperienza del non lineare e non quotidiano. Trovarmi in una situazione diversa mi fa cambiare la prospettiva verso ciò che a volte erroneamente considero scontato.

Pensi che sia dato sufficiente spazio agli artisti nei canali istituzionali? Come ritieni che si possano superare i limiti dell’arte ufficiale?
Ho visto per esempio qui a New York un’istituzione come l’Istituto Italiano di Cultura aprirsi in modo significativo all’arte non strettamente ufficiale, ma al mondo degli artisti giovani, emergenti, donando freschezza e rispolverando la pesante veste istituzionale. Questo è stato reso possibile dai due anni di direzione cavalcati dal poliedrico Prof. Renato Miracco, situazione che non è facile trovare in alri canali.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?
In questo periodo sto presentando il progetto Tokyo Untitled, pubblicato nel Novembre 2009 da MC2 Gallery, Milano, e presentato lo scorso Novembre a Parigi, Tokyo e New York. La prossima presentazione con mostra sarà a Milano, allo spazio FORMA, il 10 febbraio 2010. Sto lavorando ad un nuovo progetto, ma per ora preferisco non dire nulla, essendo ancora in fase embrionale.